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Jun AZUMATEI : Transformed shapes of the sky

Natsumi ARAKI (curator, Mori Art Museum)

Jun Azumatei paints acrylic colors on a photograph print that he has taken of the sky, puts varnish on it, then files and polishes the surface of the work, which is the process to bring his work to its completion. The sky,burnished to a smooth plane through this process, is far different from what the artist had originally seen, and now ambiguously drifting in images of variable memories and oblivion.He sometimes turns the photographs upside down and paints additional elements, which distorts the reality and the recollection of the original images further. It can be said that these vague images have reached the realm of the abstract, but nevertheless, the romantic, familiar and beautiful "sky" motif does in fact continue to exist and makes his work look ,as it were , like "classical painting" .

In this show at gallery Dojunkai, Azumatei tries to display experimental ideas different from his previous typical works. Upon entering the exhibition space, your attention is directed to "Mirage", an installation work that appears to emerge from the floor. An elliptical painting of the sky is partially buried in the center of a mound of sand. Its burnished surface appears to emit light and the image of the painting looks like a scenery reflected on the surface of a lake, or seems to reflect an image of the inner depths of the Earth. As if in concert with this work, on the surrounding walls is displayed a rhythmically-placed series of seven round pieces of works,each 18cm in diameter, named "Float/circle". The circular sky forms,released from the setting rule of top and bottom in a rectangular painting frame, are freely scattered without being constrained by the motif. In fact, the positioning of the works on the wall can be extremely flexible , the angles varying with mood. As the title indicates, each piece can freely float and revolve, changing as independently moving works.

To me, it appears that Azumatei in this exhibition wants to dare to break with the rules of motif and form of the painting that had become so characteristic of his work. The feeling of the vitality of life and nature are clearly expressed here. The breath of the Earth alluded in the sky and the moisture of a transformative organism betray the reassuring comfort found in the reworked paintings. Within the earnestly-prepared sand of the rock garden aspect of "Mirage", there is both a refined appearance and the sinister aspect of a crater or an ant hill. First of all ,this object protruding from the ground holds a powerful attraction to the viewers' physical senses. With a different quality from his previous painterly themes such as reality and illusion, pursuit of memories and landscape created by eliminating the touch of the surface, this approach appeals more directly to the senses. It now functions as a stimulating device for the five senses of the viewer confronting it.

The artist's concern about "device" can be seen in another three-dimensional work with the same name as the floor-based work, but constructed of thin cloth and a light. It is a room-shaped installation in which a light is situated within numerous layers of thin white and yellow cloth, the cloth softly illuminated by the light. One feels undeniably a lack of completion regarding the placement and form of the structure, but it can be recognized as an attempt at "a kind of stage setting", as stated by the artist.A rhythm develops from the relationship of the works with each other, an almost physical sensation on the part of the viewer lead by the works. The creation of a dynamism of the space can be described as one of the key themes of this exhibition. If it's not too much to ask, I would hope that the scene with the passersby on the avenue of Omotesando facing the gallery building will actually be drawn into the exhibition through the gallery window for a more involved experience of this show.

The motif of the sky which has become Azumatei's trademark is both his strength and his weakness. The strong lyricism that remains after all the attempts to eliminate it, contributes excessively to the sense of "beautiful painting". Even if the attempt to free himself of this has not completely succeeded in this exhibition, there is no doubt that it represents an important development towards the future for this artist. I look forward to seeing what adventures and evolutions are in store for Azumatei's skies.



東亭順 - 変容する空の形
荒木夏実(森美術館キュレーター)

 東亭順は、自ら撮影した空の写真にアクリル絵具で彩色し、ニスを塗りヤスリで研磨するという工程を経て作品を完成させる。手を加えてつるりとした平面体に仕上げられた空は、作家が見た時の経験からは遠く離れ、移ろい行く記憶と忘却の中を曖昧に漂っている。時に天地を逆転させたり、新たなものを描き加えることによって、リアリティーや記憶はさらに屈折したものになる。そのぼんやりとしたイメージは抽象の世界に到達しているとも言えるが、それでもなお、ロマンチックで、凡庸で、美しい「空」というモチーフは存在し続け、東亭の作品を古典的とも言える「絵画」たらしめている。

 今回のギャラリー同潤会での展覧会で、東亭は従来の趣向とは異なる実験を行っている。まず会場で目に入るのは、床に出現したインスタレーション「Mirage」である。盛り上げられた砂の中央に楕円形の空が埋め込まれている。その磨かれた表面は光を発しているように見え、湖面に映った風景、あるいは地底のイメージを映し出しているかのようだ。それと呼応するように周りの壁には直径18センチの円形の作品「Float/circle」が7点、リズミカルに並べられている。矩形のフレームの天地から解放された円形の空は、モチーフからより自由になって方々に散らばる。実際、展示する時の位置はかなりフレキシブルで、気分によって角度を変えることができるのだという。その題名のとおり、浮かび、回転し、一点一点が動体となって自在に変化していく。

 東亭はこの展示で、あえて彼の特徴であったモチーフや型という絵画の掟から抜け出してみたかったのではないだろうか。そこに現れたものは、生々しい命と自然の気配である。空に暗示される地球の息づかい、変幻する有機体のもつ湿気は、手を加えられて安全なものになった絵画の居心地のよさを裏切る。「Mirage」の石庭のように丹精に整えられた砂は、洗練された趣と同時に、クレーターか蟻地獄のような一種不気味さをかもしだしている。地面から突起するこの物体は、まず見る人に身体的に訴える力をもつ。これまでの、虚と実、記憶の追求、肌触りを消すことによって生まれる風景といった絵画的テーマとは質を異とする、より直接的に感覚に訴えるアプローチだといえよう。それは対峙する人の五感を刺激する装置としてはたらく。

 「装置」への関心は、床の作品と同名の、薄い布と光を使った立体作品からもうかがえる。それは白と黄色の布を何層かに重ねて作られた部屋状のインスタレーションで、中に設置されたライトが布をふわりと照らし出している。設置場所や形状の点で作品としてはやや未消化である感は否めないが、作家の言う「舞台装置のような」作品への試みは理解できる。作品と作品によって生じるリズム、作品によって引き起こされる鑑賞者の身体感覚。場のダイナミズムを作り出すことが、本展の大切なテーマといえるだろう。欲を言えば、表参道を行き来する人々の風景を、画廊の窓を通してより積極的に展示に引き込んでもよかったのではないかと思う。

 東亭のトレードマークともなった空のモチーフは、彼の強みであり、同時に弱みでもある。消し去ろうとしてもなお残る叙情性は、「美しい絵画」をあまりにも強固に支持する。そこから脱却する本展の試みは、たとえ手探りであっても、作家の将来にとって意義深いものであるに違いない。東亭の空がどんな冒険をし、進化を遂げるのか、今後が楽しみである。